Dans le catalogue de l’exposition Le Cercle des femmes peintres & Kikie Crêvecoeur, Margaux Van Uytvanck présente une belle synthèse de son travail et de son parcours d’artiste : « Kikie Crêvecoeur et la gravure. Voyage imaginaire au pays des mille et une gommes ».

© Kikie Crêvecoeur, Conte(s) à rebours, 2008-2009,
impressions de gommes gravées sur post-it, 150 x 150 cm. Collection de l'artiste

Les « gommes » de Kikie Crêvecoeur, dont j’ai retrouvé au musée Rops une série d’œuvres vues à la Bibliotheca Wittockiana, restent un axe essentiel de son travail de gravure. Ci-dessus un détail d’une spirale, Conte(s) à rebours, pour vous permettre d’apprécier la diversité des estampes avec lesquelles elle raconte le fait marquant du jour : un mot, un dessin, une date, une trace de son quotidien mêlé à l’actualité du monde.

© Kikie Crêvecoeur, Tapis Boud'rikiki (détail), installation, 2024

Au pied d’un mur où sont accrochées les « Trognes », l’artiste a étalé une bordure florale, un « Tapis d’Boudrikiki » où des impressions recto verso et en couleurs composent une installation éphémère mêlant les mots et les images. En agrandissant la photo, vous y trouverez des fleurs, des cœurs, des aphorismes, des clins d’œil au visiteur...

© Kikie Crêvecoeur, Nzomba (détail), 1995, 100 x 200 cm,
estampe marouflée sur toile, linogravures, gommes et empreintes, tirage unique.
Collection de l'artiste.

L’exposition montre de beaux ensembles comme « Elles viennent dans la nuit » pour illustrer un texte de Corinne Hoex. « Nzomba », une œuvre dans les tons bleu-vert réalisée en écoutant des polyphonies des pygmées Aka, évoque la forêt et leur mode de vie : l’œuvre est composée de six reproductions d’une linogravure sur lesquelles Kikie Crêvecoeur est intervenue avec des impressions de gommes, les doigts, les couleurs. (Dans leur langue bantou, « nzomba » veut dire « forêt » et « nzombi », l’esprit de la forêt.)

Le Cercle des femmes peintres & Kikie Crêvecoeur, Musée Rops, Namur > 08.09.2024

Le musée Rops de Namur récidive dans la mise en valeur des femmes artistes avec une exposition à ne pas manquer cet été : Le Cercle des femmes peintres & Kikie Crêvecoeur. Si la graveuse contemporaine m’avait déjà épatée à la Bibliotheca Wittockiana, j’ignorais l’existence de ce collectif « actif dans le monde de l’art belge à la fin du XIXe siècle ». Le Cercle des femmes peintres a organisé quatre expositions entre 1888 et 1893, au même endroit et dans la même période que les XX autrement présents dans l’histoire de l’art.

Alix d’Anethan (1848-1921), Dans l’atelier de l’artiste ou Les Aquafortistes, s. d.,
huile sur toile, 108,4 x 137,5 cm. Courtesy Galerie Ary Jan, Paris.

« Le mérite d’avoir remis le Cercle des femmes peintres dans la boucle de la recherche en histoire de l’art revient entièrement à Alexia Creusen », peut-on lire dans l’avant-propos du catalogue (source des citations). Cette plasticienne et historienne de l’art liégeoise est l’autrice de Femmes artistes en Belgique. XIXe et début XXe siècle. Les 88 artistes qui ont participé aux quatre salons du Cercle sont presque toutes oubliées – Denis Laoureux les présente chacune dans une notice (de deux lignes à une page selon les cas) dans un « Dictionnaire » en dernière partie – et leurs œuvres, souvent perdues ou dans des réserves « malgré des tableaux d’excellente facture et des carrières exemplaires ». 

Alice Ronner (1857-1906), La cruche d'étain (détail), 1887,
huile sur toile, 80 x 64 cm, MRBAB, Bruxelles

Des gravures de Kikie Crêvecoeur accompagnent de salle en salle ces peintures de l’époque de Félicien Rops. Je n’ai pas photographié, à l’entrée de l’exposition, le jeu de ses linogravures en réduction et aimantées (Bribes et échappées, 2006) que les visiteurs sont invités à déplacer à leur guise sur un panneau, mêlées à des pages de catalogues du Cercle des femmes peintres. 

Page de catalogue, Cercle des femmes peintres, Bruxelles

Dans l’atelier de l’artiste ou Les Aquafortistes d’Alix d’Anethan (ill. 1) « montre des artistes femmes rassemblées autour de la représentation du paysage à l’aquarelle sur papier alors que le tableau lui-même est peint à l’huile sur toile, en grand format, et montre non pas un coin de nature mais une pratique artistique ». A son époque, non admises dans les écoles d’art, les femmes se formaient dans des ateliers privés, souvent tenus par des peintres masculins. Alix d’Anethan a participé à de multiples salons, belges et parisiens.

© Kikie Crêvecoeur, Courriers Ping-Pong avec Anne Leloup, Jo Ann Lanneuille et Marine Domec,
2022-2024, estampe. Collection de l'artiste

Dans un angle figurent neuf petits portraits peints récemment sur carton par Kikie Crêvecoeur, Mes amies complices. La graveuse bruxelloise s’est liée dès ses années de formation avec d’autres artistes : « le travail en collectif apparaît comme un fil rouge » dans sa carrière. Elle fait partie de l’Atelier Razkas. Lors d’échanges avec des amies artistes par « courrier créatif », elle introduit aussi la couleur dans des estampes joliment japonisantes.

Berthe Art (1857-1934), Les oeillets (détail), s. d.,
pastel sur papier, 67 x 82 cm, Berko Fine Paintings, Knokke

Un pastel signé Berthe Art, Les Œillets, témoigne de sa prédilection pour la peinture florale et de son art dans la composition comme dans le rendu des matières. Un triptyque panoramique, Les rochers en mer (collection privée), montre une autre facette de son art. En plus de la première exposition du Cercle, Berthe Art a exposé régulièrement dans les salons triennaux belges jusqu’au début du XXe siècle, et aussi à Cologne, à Londres – une carrière internationale. Une Nature morte avec fleurs (et pêches) de Marie de Bièvre est très belle aussi.

© Kikie Crêvecoeur, Des Milliers (I à XXV...), 2013-2017, ensemble de linogravures,
25 x (60 x 14,5 cm), work in progress. Collection de l'artiste

Avant de monter l’escalier, je suis retenue par Des Milliers (I à XXV…), un ensemble de linogravures où figurent, alignés, des troncs d’arbres élagués. Kikie Crêvecoeur a commencé en 2013 cette série en hommage aux victimes des camps nazis. Le titre fait référence à la chanson de Jean Ferrat (« Ils étaient vingt et cent, ils étaient des milliers... ») et au film d’Alain Resnais Nuit et brouillard. 

Henriette Calais (1863-1951), Vers la lumière, vers 1895,
aquarelle sur papier, 46,5 x 90 cm. Courtesy Galerie Drylewicz, Paris

D’Henriette Calais, revoici l’Allégorie féminine vue à Tournai. Je m’attarde devant deux aquarelles de cette peintre symboliste, Vers la lumière et Ames solitaires, de 1895. Sur le site de la galerie Drylewicz (Paris), vous pouvez lire une présentation très intéressante de cette artiste. J’y ai découvert son travail de sculptrice, « un vaste et ambitieux projet de monument destiné au parc Josaphat, à Schaerbeek » sur le thème de La Fontaine d’amour, dont on montre une maquette en plâtre. 

Louise De Hem (1866-1922), Intimité, 1901,
pastel sur papier, 100 x 84,2 cm. Yper Museum, Ypres

Les œuvres marquantes ne manquent pas, je reviendrai sur celles de Kikie Crêvecoeur. J’admire longuement Intimité de Louise de Hem, un pastel aux couleurs délicieuses. Il contraste si fort avec Femme au jasmin d’Alix d’Anethan, mais ces deux portraits sont des œuvres silencieuses et introspectives d’une grande beauté. Je retiens la Mer phosphorescente de Marguerite Verboeckhoven et le Paysage de forêt de Clémence Jonnaert. 

Alix d’Anethan (1848-1921), Femme au jasmin, s. d.,
huile sur toile, 74 x 96 cm. Collection privée

Après avoir revu les salles consacrées à Félicien Rops, c’était agréable de sortir dans le jardin du musée, où des extraits de sa correspondance sont présentés parmi les fleurs qu’il aimait : « les fleurs m’ont consolé de bien des peines » (Lettre à Rassenfosse). Les arbres, la nature, la poésie du quotidien, Kikie Crêvecoeur n’a pas fini de nous les montrer, à sa manière. Avec Le Cercle des Femmes peintres, elle vous attend à Namur jusqu’au 8 septembre.

« Le rossignol du Japon est un oiseau somptueux. Vêtu d’un kimono multicolore, il chante comme une diva. On se doute que je ne parvins pas à lui ressembler. Je tiens davantage du merle, de par la noirceur de mon plumage mais aussi le côté expérimental de mon chant. Singulier artiste que le merle, capable du meilleur comme du pire. Ce que j’apprécie chez lui, c’est qu’il n’est jamais satisfait et qu’il ne se fixe aucune limite. »

Amélie Nothomb, Psychopompe

Aussi en hommage au merle noir qui nous en-chante jour après jour (source de la photo)

Avec Psychopompe, Amélie Nothomb a réussi un de ses plus beaux vols. Bien qu’il soit indiqué « roman », elle y déroule le fil d’une trajectoire personnelle moins aisée qu’il n’y paraît. Elle l’ouvre avec un conte traditionnel nippon que sa nounou japonaise lui a raconté quand elle avait quatre ans, celui d’un marchand de tissus subjugué par la splendeur des grues blanches. L’histoire est belle et cruelle.

La petite fille d’alors, qui rêve de voir des grues, ne s’intéresse pas encore aux passereaux. Mais une fois « arrachée au Japon », quand son père est « posté » à Pékin l’année suivante, les chants d’oiseaux lui manquent. Mao les a rendus responsables des « famines et autres nuisances », on les massacre. Seul le corbeau subsiste à Pékin, intelligent, mais au croassement décevant.

New York, 1975, ce sont les retrouvailles avec toutes sortes d’oiseaux, « comme une résurrection », à Central Park et dans la forêt où ils vont le week-end : « Les geais, les merles – les fameux mocking birds, les cardinaux, les bruants hudsoniens, il n’y en avait que pour le ciel. » Ecouter leur chant à l’aube, les reconnaître. L’hiver, le chant du merle la bouleverse. « Beaucoup plus tard, quand j’entendis l’air célèbre du Génie du froid, je me demandai si Purcell n’avait pas trouvé son inspiration dans cette pratique hivernale des oiseaux. »

Mais c’est au Bangladesh (son père nommé ambassadeur à Dacca), à onze ans, qu’elle situe le « kensho : éveil qui, pour ne pas être définitif, sépare le temps en un avant et un après » – « Il m’apparut que l’oiseau était la clef de mon existence. » Dans son « obsession aviaire », son père voit une quête symbolique de la liberté. « A quoi bon rêver d’anges et de chimères quand il existe pour de vrai une créature qui dépasse notre entendement ? »

La lecture de manuels d’ornithologie est « une source d’étonnement sans fin », l’observation des oiseaux, une passion. A Sylhet, ville entourée de jungle, elle voit pour la première fois l’oiseau-dragon au « nom fabuleux d’engoulevent oreillard ». Elle l’observe aux jumelles. « L’affût du regard changea ma vie. » Elle rêve de voler comme lui ou de nicher au sol au-dessous des arbres à thé.

Cox’s Bazar, la seule station balnéaire du Bangladesh, devient leur destination préférée. Nager dans le golfe du Bengale fait son bonheur. « Nager, c’était voler sous l’eau. » Ils y côtoient la misère, elle joue « avec les enfants du peuple de la plage » qui ne nagent pas. Les expatriés qui restent entre eux les voient comme des excentriques. Ses parents se passionnent pour « cette jeune démocratie ». Ils fréquentent la léproserie tenue par des religieuses belges.

Amélie Nothomb raconte et fait flèche de tout bois : « Quand on se sent incapable d’une pensée digne de ce nom, il reste l’observation : voici ce que m’apprit l’amour des oiseaux. » Engoulevents ou autres. « La contemplation perpétuelle d’un être furtif m’enseigna l’art d’aimer l’insaisissable. »

Au Bangladesh, à douze ans, « on mariait les filles de [son] âge ». L’adolescente a peur de l’armateur de Cox’s Bazar, la cinquantaine, qui la dévisage et recherche la compagnie de la « young lady », l’invite sur son yacht, sans que ses parents s’y opposent. Elle l’écoute, reste sur ses gardes. En étudiant les langues anciennes (neuf heures de latin, six heures de grec), elle découvre l’impératif passif : « Sois tué ! » ou « Sois mangé ! »

En peu de mots mais si intenses, Amélie Nothomb dit l’agression subie dans l’eau du golfe du Bengale. Sa mère l’entend hurler et accourt : « Pauvre petite. » Ses agresseurs ont fui. « Je ne devins pas folle. Quelque chose s’éteignit en moi. On ne me vit plus dans aucune eau. » Treize ans. Elle apprend qu’Hermès, « le dieu messager aux pieds ailés, pouvait être qualifié de psychopompe. Le psychopompe était celui qui accompagnait les âmes des morts dans leur voyage. »

Au milieu du roman, l’atmosphère change. Comment approcher la mort ? Deux ans d’anorexie. Après le Bangladesh, la Birmanie, le Laos. Réapprendre la nourriture. Après avoir été œuf, puis oisillon, Amélie Nothomb retrouve la santé, devient une jeune femme qui écrit. Dans cette nouvelle partie de son existence, elle se fait oiseau : « Désormais, écrire, ce serait voler. » La passion des oiseaux va désormais de pair avec la passion de l’écriture, sur laquelle l’écrivaine nous offre de très belles pages qui éclairent son œuvre.

« Ecrire à tire-d’aile » est pour Amélie Nothomb sa façon d’apprivoiser le temps, le vide, la mort. Lisez Pyschopompe, un de ses plus beaux chants.

Le mouvement surréaliste était d’avant-garde, mais non « exempt de misogynie ». Au début de l’exposition « Imagine ! », une grande reproduction d’un montage publié dans La révolution surréaliste du 15 décembre 1929 montre  les photos d’identité de seize (hommes) surréalistes aux yeux baissés encadrant Je ne vois pas la [femme] cachée dans la forêt de Magritte.
Heureusement les artistes femmes ont bien leur place ici, on en est redevable à l’exposition « Surréalisme au féminin ? » du musée de Montmartre, où on pouvait voir ce Couple d’oiseaux anthropomorphes de Suzanne van Damme, du temps où la peintre belge fréquentait les surréalistes à Paris.

© Suzanne Van Damme, Couple d’oiseaux anthropomorphes, 1946, Rediscovering Art by Women (RAW)

Je repense à ce drôle de couple devant une œuvre de Meret Oppenheim, Daphné et Apollon. Dans les Métamorphoses d’Ovide, la nymphe se transforme en laurier pour échapper à l’étreinte d’Apollon.
Sur cette petite toile, celui-ci est également transformé en arbuste, au corps difforme comme « une pomme de terre germée » (audioguide) : la surréaliste suisse a privé le dieu de sa beauté, alors que Daphné, « lumineuse et belle », est « perchée sur ses racines comme sur des escarpins ».

© Meret Oppenheim, Daphné et Apollon, 1943, huile sur toile, Collection privée

« Imagine ! » 100 ans de surréalisme international, MRBAB,
Bruxelles > 21.07.2024